- Ampannee Satoh (อําพรรณี สะเตาะ) née en 1983 à Pattani, vit et travaille à Bangkok et Pattani
- Anuwat Apimukmongkon (อนุวัฒน์ อภิมุขมงคล), né en 1995 à Trang, vit et travaille à Pattani
- Ariane Sutthavong (อารีแอน สุทธาวงษ์), née en 1993 à Bangkok, vit et travaille à Bangkok
- Chatpong Chuenrudeemol (ฉัตรพงษ์ ชื่นฤดีมล), né en 1972 à Bangkok, vit et travaille à Bangkok
- Eakapob Huangthanapan (และเอกภาพ หวงธนะภัณฑ์), né en 1994 à Phuket, vit et travaille à Phuket et Bangkok
- Doloh Chetae (ดอเลาะ เจ๊ะแต) né en 1962 à Pattani
- Kite (ไคท์), née en 1990 à Sylmar, Californie, vit et travaille à Catskill, New York
- Minnette de Silva (มินเน็ตต์ เดอ ซิลวา) née en 1918 à Kandy, décédée en 1998 à Kandy
- Mochu (โมชุ และ เ), né(e) en 1983 à Kottayam, vit et travaille à Berlin et Delhi
- Merve Ertufan (มิร์ฟ เออร์ตุฟาน) née en 1985 à Istanbul, vit et travaille à Berlin et Delhi
- Noémie Goudal (โนเอมี กูดาล), née en 1984 à Paris, vit et travaille à Paris
- Ryue Nishizawa (ริวเอะ นิชิซาวะ), né en 1966 à Kanagawa, vit et travaille à Tokyo
- Speedy Grandma (สปีดี้ แกรนด์มา), fondé à Bangkok en 2012, vit et travaille à Bangkok
- Tun Win Aung (ตัน วิน อ่อง และ วา นุ), né en 1975 à Yangon, vit et travaille à Yangon et Chiang Mai
- Wah Nu (และ วา นุ), née en 1977 à Yangon, vit et travaille à Yangon et Chiang Mai
- Woraphob Tantinantakul (วรภพ ตันตินันทกุล), né en 1989 à Phuket, vit et travaille à Phuket
- Wu Tsang (อู๋ เจิง), né(e) en 1982 à Worcester, Massachusetts, vit et travaille à Zurich
Ampannee Satoh
Ampannee Satoh est une artiste visuelle dont le travail en photographie et en vidéo explore les thèmes de l’identité culturelle, de la foi, de la nation et des récits complexes de sa ville natale, Pattani.
Elle a obtenu sa licence en beaux-arts (photographie) à l’université Rangsit (2006), a poursuivi ses études à l’École nationale supérieure de la photographie d’Arles, en France (2010), et a reçu son master en beaux-arts (arts visuels) de l’université Silpakorn (2013).
Parmi ses expositions personnelles, citons « Ports of Refuge » au Vargas Museum, à l’université des Philippines (2025), « Du port de Pattani au port de La Rochelle » au Centre Intermondes, en France (2022) et « The Light 24:31 » au Patani Artspace, en Thaïlande (2018).
Elle a participé à des expositions collectives internationales telles que la Biennale de Sharjah, aux Émirats arabes unis (2019) et « Nation, Narration, Narcosis » au Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart, en Allemagne (2022). Le travail d’Ampannee figure dans des collections telles que celles du Singapore Art Museum, du MAIIAM Contemporary Art Museum et de l’Office of Contemporary Art and Culture (OCAC) du ministère de la Culture thaïlandais. Elle a également reçu le prix d’excellence en photographie lors du Young Thai Artist Award 2007.
Anuwat Apimukmongkon
Anuwat Apimukmongkon a obtenu sa licence en arts visuels à la faculté des beaux-arts de l’université Prince of Songkla, campus de Pattani. Son approche artistique est profondément ancrée dans l’expérience personnelle et l’observation sociale. Un symbole récurrent dans son travail est la forme de « Bunglee », son ami proche qui s’identifie comme bisexuel. Il utilise ce symbole pour refléter les mythes et les structures sociales profondément ancrés dans le monde contemporain à travers sa perspective et ses émotions personnelles.
Anuwat est un artiste interdisciplinaire et cofondateur du réseau de curateurs décentralisé Pootorn Connect, qui promeut le concept de souveraineté artistique et culturelle. Ses médiums incluent la peinture, la sculpture, les techniques mixtes, la vidéo, la performance live et même la gastronomie comme canal de recherche et de critique.
Le travail d’Anuwat aborde les questions de nation, de religion, de culture, de politique et de violence, à travers le symbolisme et le prisme du genre et de l’identité. Ses œuvres ont été exposées dans de nombreuses expositions en Thaïlande et à l’étranger, telles que la « Queer International Exhibition » par le Queer Museum à Londres, au Royaume-Uni ; « Jerayawara Seni Dwimusim » à Kuala Terengganu, en Malaisie ; « Dissident Affections: Sexual Diversity in Contemporary Art » au Brésil ; « Minamikaze » à l’université des arts de Brême, en Allemagne ; l’« A&DT International Invitation Exhibition » en Corée du Sud ; et « Of Place and A Paradox » à Singapour.
En tant que curateur, il se concentre sur l’amplification des voix des artistes locaux et l’exploration de l’art contemporain en Asie du Sud-Est. Anuwat a travaillé sur des expositions internationales et locales, notamment « Kenduri Seni Nusantara » (2022), « Kenduri Seni Patani » (2024), « Patani Abstract » à Xspace, Bangkok ; « STAMPING » à YMD Artspace, Khon Kaen ; « The Apparel of Dunya » à Warin Lab Contemporary, Bangkok ; « The City of Goat » à Head-High Second Floor, Chiang Mai ; et « Deep South » à VS Gallery, Bangkok (2022).
Anuwat continue de développer sa pratique artistique parallèlement à ses activités de curateur. De plus, il occupe un poste universitaire à temps plein en tant que chargé de cours dans le programme d’arts visuels de la faculté des beaux-arts et des arts appliqués de l’université Prince of Songkla, campus de Pattani.
Araya Rasdjarmrearnsook
Araya Rasdjarmrearnsook est une artiste, écrivaine, professeure et l’une des praticiennes contemporaines les plus respectées d’Asie du Sud-Est. Elle expose à l’international depuis 45 ans, notamment à la documenta, à la Carnegie International et lors de biennales à Venise, Johannesburg, Sydney, Istanbul, Bangkok, Jakarta, Gwangju, Singapour et au-delà.
Ses œuvres figurent dans des collections telles que le musée Solomon R. Guggenheim de New York, le M+ de Hong Kong, ainsi que dans des musées majeurs à Singapour, au Japon, en Finlande, aux Pays-Bas, aux États-Unis, en Thaïlande et ailleurs. D’importantes rétrospectives plus modestes de son travail ont été présentées au SculptureCenter de New York (2015) et au 4A Centre for Contemporary Asian Art de Sydney (2014).
Araya a également joué un rôle majeur dans l’innovation de l’enseignement artistique en Thaïlande, où elle a établi les premiers programmes d’études artistiques interdisciplinaires du pays à la faculté des beaux-arts de l’université de Chiang Mai. Dans sa maison et son studio à Chiang Mai, elle s’occupe de dizaines de chiens errants, qui apparaissent souvent dans ses œuvres.
Ariane Sutthavong
Ariane Sutthavong travaille à travers des formats curatoriaux, éditoriaux et discursifs, évoluant au sein de processus collectifs et à l’intersection complexe de l’art et de la politique. Sa pratique émerge souvent de lieux de friction — entre les langues, les temporalités ou les imaginaires sociaux — et cherche à préserver l’espace pour des formes de savoir qui ne se traduisent pas facilement. Elle a réalisé des expositions, des programmes et des conférences pour la collection Frédéric de Goldschmidt, la Biennale d’art asiatique (2024), la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, la documenta fifteen, la Biennale de Bangkok (2020) et le MAIIAM Contemporary Art Museum, entre autres. De 2020 à 2025, Ariane a cofondé et codirigé l’inappropriate BOOK CLUB, une initiative continue centrée sur la lecture et l’écriture collectives de textes pour soutenir un troisième regard sur l’art contemporain en Thaïlande, au-delà des limites de l’État et des intérêts du capital.
Ses recherches archivistiques sur l’héritage aux multiples facettes de Suwanni Sukhontha reflètent les liens de l’écrivaine avec les esthétiques et les politiques changeantes, ainsi qu’avec les rôles de genre et de classe dans la modernité thaïlandaise. Invoquant l’opacité et la fragmentation qui marquent les actes de transmission, le projet est conçu comme un ensemble de notes de bas de page, de traductions et de marginalia tournant autour d’un centre absent.
Chatpong Chuenrudeemol & Eakapob Huangthanapan
Chatpong Chuenrudeemol est un architecte profondément marqué par la beauté et la laideur de Bangkok. Son cabinet d’architecture, CHAT Architects, se concentre sur des projets multi-échelles issus de leurs recherches « Bangkok Bastards », ou la documentation du vernaculaire urbain vivant de la capitale thaïlandaise, souvent négligé pour son informalité mais débordant d’invention architecturale et d’authenticité culturelle. En 2020, Chatpong a reçu le « Silpathorn Award » de Thaïlande, la plus haute distinction du pays pour les artistes contemporains, décernée par le ministère de la Culture de Thaïlande.
Eakapob Huangthanapan est un designer multidisciplinaire et stratège urbain dont le travail couvre l’architecture, la planification de la résilience et la recherche communautaire. Basé entre Phuket et Bangkok, il codirige le MIT Resilience Collective Thailand, qui fait partie du MIT Urban Risk Lab fondé par la professeure Miho Mazereeuw. Avec les codirecteurs du collectif, il explore comment le design peut favoriser des villes et des communautés résilientes grâce à la conception physique et systémique, en faisant le pont entre l’écologie, l’infrastructure et la communauté.
CHAT Architects et le MIT Urban Risk Lab, ainsi que leurs collectifs, ont collaboré sur une série d’initiatives urbaines axées sur la communauté.
Doloh Chetae
Doloh Chetae était un pêcheur, artiste-dessinateur, érudit communautaire et chercheur indépendant originaire de Baan Datok, un village côtier de la baie de Pattani.
Issu d’une famille de pêcheurs, il a quitté l’école après l’école primaire et a étudié dans un pondok local. Pourtant, son expérience vécue et sa connaissance profonde de la mer ont fait de lui un guide inestimable pour les chercheurs, les militants et sa propre communauté.
À partir de 1984, Doloh a commencé à utiliser des dessins au trait et des cartes dessinées à la main pour communiquer avec les villageois au sujet de l’évolution de l’environnement, des nouvelles technologies et des pratiques culturelles menacées de disparition. Ancré dans les traditions orales, le savoir local et la mémoire collective, son travail a offert des moyens alternatifs de documenter et de résister à la dégradation de l’environnement.
Kite
Kite est une artiste de performance, artiste visuelle, compositrice et universitaire primée, membre de la nation Oglála Lakȟóta, connue pour ses performances sonores et vidéo utilisant son interface de tresses de cheveux basée sur l’apprentissage automatique.
La pratique de Kite explore l’ontologie Lakota contemporaine à travers la recherche-création, les médias computationnels et la performance. Dans l’ensemble de son œuvre, Kite travaille souvent en collaboration avec des membres de sa famille et de sa communauté.
Sa pratique interdisciplinaire couvre le son, la vidéo, les performances, la fabrication d’instruments, les œuvres d’art portables, la poésie, les livres, les installations interactives, et plus encore. Elle est actuellement directrice du Wihanble S’a Lab, artiste en résidence distinguée et professeure adjointe d’études américaines et autochtones au Bard College.
Kite est diplômée du California Institute of the Arts, du Bard College et de l’Université Concordia. Elle est membre inscrite de la tribu Oglala Sioux.
Minnette De Silva
Minnette De Silva fut la première femme asiatique à devenir membre associée du Royal Institute of British Architects (RIBA) en 1948. Née en 1918 à Kandy, au Sri Lanka, De Silva a obtenu son diplôme d’architecte en 1948 et a fondé The Studio of Modern Architecture à Kandy la même année.
De Silva a articulé des idées novatrices sur l’urbanisme, la durabilité, l’utilisation de caractéristiques architecturales locales, de matériaux et d’artisanat à travers une pratique combinant conception architecturale, écriture, recherche et enseignement. Elle a inventé le terme « architecture régionale moderne » pour désigner ses « expériences » qui mettaient l’accent sur la communauté, l’écologie et l’artisanat dans une perspective sri-lankaise. « The Life and Work of an Asian Woman Architect (Volume 1) », le mémoire autobiographique de De Silva, expose sa philosophie, ses influences et ses contributions à l’architecture moderniste en Asie. Il a été publié à titre posthume en 1998, quelques mois après son décès.
Mochu & Merve Ertufan
Mochu et Merve Ertufan sont des auteurs et artistes qui travaillent souvent avec et à travers le texte. Dans leurs œuvres respectives, Mochu et Merve gravitent vers une pratique conceptuelle qui donne forme à des idées autrement flottantes telles que l’anxiété, la futurité et la subjectivité dans le système circulatoire de l’économie. Ensemble, Mochu et Merve ont développé la récente collaboration Ion Drift, explorant des idées peu orthodoxes d’économie politique apparues en conjonction avec la philosophie ancienne dans la région autrefois connue sous le nom d’Ionie (VIIIe-VIe siècle av. J.-C.), aujourd’hui répartie entre la Turquie et la Grèce.
Le travail de Mochu a été présenté dans des expositions au Royal Melbourne Institute of Technology (2024), à la 9e Biennale d’art asiatique (2024), à la Whitechapel Gallery (2023), à la 9e Triennale Asie-Pacifique (2018), à la 4e Biennale de Kochi-Muziris (2018), à la 13e Biennale de Sharjah (2017) et à l’Edith-Russ-Haus für Medienkunst (2022).
Merve Ertufan
Les œuvres de Merve ont été présentées dans des institutions telles que Liquid Architecture, Arter, Tanas, Zilberman Gallery, Wilhelm-Hack-Museum, Bahar, le projet hors site d’Istanbul de la Biennale de Sharjah 13, SPOT Production Fund, Corridor Project Space, avec deux expositions personnelles – à Depo (2020) et Bilsart (2022).
Noémie Goudal
La pratique de Noémie Goudal est étayée par une recherche rigoureuse à l’intersection de l’écologie et des sciences de la Terre. Le travail de Goudal implique la construction d’interventions illusionnistes élaborées au sein du paysage, documentées par le film, la photographie et la performance. Le travail de l’artiste pousse la photographie au-delà de ses paramètres standards. Utilisant des techniques d’illusion d’optique telles que l’anamorphose et le trompe-l’œil, Goudal met en scène des décors méticuleusement construits à l’aide de modèles en papier, en miroir et en bois.
Noémie Goudal a reçu le Prix Marcel Duchamp 2024 et a exposé au Centre Pompidou à Paris, en France. Elle présentera des expositions personnelles en 2025 chez Edel Assanti, à la Frieze London, au Royaume-Uni ; et dévoilera une nouvelle installation commandée par Artangel.
Ryue Nishizawa
Ryue Nishizawa est un architecte japonais. En 1995, il a fondé le cabinet d’architecture SANAA (Sejima and Nishizawa and Associates) avec Kazuyo Sejima. Ensemble, leurs œuvres comprennent des structures telles que le New Museum of Contemporary Art de New York, la Serpentine Gallery à Londres, le bâtiment Christian Dior à Omotesando, Tokyo, et le 21st Century Museum of Contemporary Art à Kanazawa, entre autres.
Ils ont reçu conjointement le Lion d’or à la 9e Biennale d’architecture de Venise (2004), le Berlin Kunstpreis (2007) et le prix Pritzker d’architecture (2010). Plus récemment, ils ont reçu le Praemium Imperiale en l’honneur du prince Takamatsu (2022) et la Royal Gold Medal du Royal Institute of British Architects (2025).
En 1997, Nishizawa a créé l’Office of Ryue Nishizawa. Depuis, il a reçu le prix de l’Architectural Institute of Japan (AIJ) et le 25e prix Murano Togo (2012), ainsi que le 5e prix Yoshizaka Takamasa (2019). Il est actuellement professeur à la Yokohama Graduate School of Architecture (Y-GSA).
Speedy Grandma
Speedy Grandma est un collectif-communauté d’artistes, de conservateurs et de praticiens unis par un engagement commun envers le sérieux du jeu. Nommé d’après une légende urbaine de fantôme dans laquelle une grand-mère — tuée dans un accident de moto — revient sous la forme d’un spectre à demi-corps pour hanter les coureurs de rue nocturnes, Speedy s’est également transfiguré à maintes reprises. Jeune d’esprit et irrévérencieux dans le ton, le collectif a commencé comme une galerie d’art mais n’est jamais resté en place.
Dès le début, Speedy Grandma a adopté l’expérimentation et a accueilli ceux qui étaient assez audacieux pour se lancer tête baissée dans leurs pratiques créatives. Ce que Grandma recherche, c’est le potentiel : les prémices de nouvelles idées, l’énergie du devenir. Et cela s’accompagne de la compréhension que l’art, défini de manière large et expansive, n’existe pas et ne peut pas exister dans le vide. Il évolue avec le monde, empêtré dans des dialogues et des disciplines qui le dépassent, élargissant l’idée de ce que l’art peut être.
Woraphob Tantinantakul
Woraphob Tantinantakul est un artiste de Phuket qui travaille la sculpture, utilisant souvent du bois de récupération et des matériaux provenant de navires hors d’usage.
Avec un père travaillant dans l’industrie maritime, Tantinantakul a grandi le long des côtes de l’île et a observé la transformation des pratiques de pêche en une industrie du transport maritime.
Les outils artisanaux utilisés pour la subsistance par les nomades de la mer, et par conséquent par ceux avec qui ils commerçaient, sont désormais devenus des objets purement cérémoniels. Intéressé par la transformation du statut de l’objet et les possibilités de récupération, l’artiste travaille sur des formes votives souvent à grande échelle, sculptées à la main et soudées par lui-même.
Tantinantakul a obtenu une licence en arts au département des beaux-arts et à la faculté d’architecture, d’art et de design de l’Institut de technologie du roi Mongkut à Ladkrabang, ainsi qu’un master en arts à la faculté de peinture, sculpture et arts graphiques de l’université Silpakorn.
Wu Tsang
Wu Tsang est une cinéaste et artiste visuelle primée qui combine des techniques documentaires et narratives avec des détours fantastiques dans l’imaginaire. Ses projets ont été présentés dans des musées, des biennales et des festivals de cinéma et de théâtre à l’international, notamment à la Biennale de Venise (2022), Manifesta 15, la Biennale du Whitney (2012, 2022), SXSW (2012) et le Holland Festival (2022, 2024).
Tsang est boursière MacArthur « Genius » 2018 et a remporté de nombreux prix, dont le prix Guggenheim 2016 (Film/Vidéo), une nomination au prix Hugo Boss 2018 et le soutien de la Fondation Rockefeller. Wu Tsang a obtenu une licence en beaux-arts (2004) de l’Art Institute of Chicago (SAIC) et un master en beaux-arts (2010) de l’Université de Californie à Los Angeles (UCLA). De 2019 à 2024, elle a été directrice en résidence au Schauspielhaus (théâtre municipal) de Zurich. Tsang est connue pour ses collaborations à long terme, notamment avec Moved the Motion, un collectif de performance qu’elle a cofondé avec Tosh Basco en 2013.
La Thailand Biennale, Phuket 2025 se déroulera de novembre 2025 à avril 2026. Ceux qui souhaitent en savoir plus peuvent visiter :
🌐 www.thailandbiennale.org
📘 Facebook : facebook.com/thailandbiennale
📞 Ligne directe du ministère de la Culture : 1765
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